Se siente como una regla de la naturaleza. Si Drew Carey estaba en un programa, tenía que llamarse The Drew Carey Show. Si Jerry Seinfeld encabezó la serie, el título seguía su nombre. Asumimos que así es como funciona porque siempre ha sido así. Pero trate de imaginar un thriller descarnado titulado The Kiefer Sutherland Show. No puedes. Él interpreta a Jack Bauer. Los nombres no coinciden.
Esta convención de nomenclatura autorreferencial es una peculiaridad específica de la comedia. Se remonta a décadas atrás, comenzando con The Mary Tyler Moore Show. La tendencia persistió durante décadas de comedias de situación, pero desapareció cuando el género giró hacia el drama. ¿Por qué las cadenas apostaron por el nombre de la estrella para la risa pero no para el suspenso?
Tim Brooks sabe por qué. No es sólo un historiador. Era un ex ejecutivo de una cadena de televisión que dirigía departamentos de investigación en NBC, USA Networks y Lifetime. Desde la década de 1970 hasta 2007, su trabajo consistió en analizar datos de calificaciones y realizar pruebas de grupos focales. Descubrió lo que realmente les gustaba a los espectadores mirando los números. Sus ideas explican cómo terminamos con una estructura de nombres que parece inevitable, incluso si es lógicamente defectuosa.
La costumbre de titular una comedia con el nombre de su actor principal no surgió de la nada. Se remonta a los espectáculos de juglares del siglo XIX, pero la verdadera explosión se produjo cuando la televisión se transformó en un gran negocio en los años sesenta. Esa fue la época en la que las redes comenzaron a invertir dinero en investigación de mercado. Estaban tratando de descubrir cómo vender sus nuevos programas al público espectador.
Cada verano, las redes realizaban encuestas. Midieron la conciencia pública y el interés en la próxima programación de otoño. Los datos contaban una historia clara.
Los programas que incluían el nombre de la estrella en el título se destacaron inmediatamente. Esto fue así incluso dos o tres meses antes del estreno. Los espectadores reconocieron el nombre al instante. No necesitaban ver ningún material promocional. La marca de celebridades hizo el trabajo pesado.
La lógica de marketing detrás del nombre
El marketing de entretenimiento tiene un objetivo principal. Consiga que los espectadores “prueben” el producto. El mercado de los medios está abarrotado. Los estudios y las productoras tienen que dejar de lado el ruido. Aprovechar el caché de celebridades existente es una de las herramientas más efectivas disponibles.
Pensemos en Bill Cosby. Había vendido millones de álbumes en los años 1960. Un título genérico como “El programa de comedia del jueves por la noche” habría sido invisible. Llamarlo “The Cosby Show” atrajo a fanáticos a quienes ya les agradaba. Se sintonizarían para comprobarlo.
Por eso la tendencia suele aplicarse al liderazgo. Incluso cuando actores famosos desempeñan papeles secundarios, sus personajes no reciben su propio nombre en el título. El plomo es el anzuelo.
“The Cosby Show” sigue siendo el brillante ejemplo de esta estrategia. El título fue elegido únicamente con fines de marketing.
Cuando los nombres coinciden, cuando no
En muchas comedias, el personaje principal comparte el nombre del comediante. Mary Tyler Moore interpretó a Mary Richards en “The Mary Tyler Moore Show”. Roseanne Barr era Roseanne Conner en “Roseanne”. Jessica Williams es Jessica James en “La increíble Jessica James”.
Jerry Seinfeld compartió ambos nombres con su personaje de cómic en “Seinfeld”. Básicamente estaba jugando a sí mismo.
Bill Cosby era diferente. Su personaje se llamó Dr. Heathcliff Huxtable.
¿Habría tenido tanto éxito “The Cosby Show” si se hubiera llamado “The Huxtables”?
Probablemente no.
Por qué los nombres de celebridades superan a los nombres de personajes
La distinción importa. El nombre de un personaje como Huxtable no te dice nada sobre el tono o el atractivo. Requiere explicación. Requiere promoción. El nombre de una estrella es una señal. Es una promesa de estilo. Es una abreviatura de calidad.
No se trata sólo de ego. Se trata de economía. Las redes gastaron millones en investigación. Descubrieron que los nombres reconocibles reducían el riesgo. Aumentaron la probabilidad de que un espectador cogiera el control remoto. En la década de 1960, eso era una enorme ventaja.
Hoy la lógica persiste. Aunque el panorama ha cambiado. Los servicios de streaming tienen una programación menos rígida. Pero el principio permanece. Las estrellas venden. Los nombres venden.
Piensa en los éxitos recientes. “La teoría del Big Bang”. “Amigos”. “Seinfeld”. “La Oficina”. (Aunque es complicado, todavía depende del reconocimiento colectivo del conjunto). El patrón es claro.
¿Es posible que un programa tenga éxito sin el nombre de una estrella? Sí. Pero es más difícil.
La televisión siempre ha perseguido la fama. Mucho antes de que los ratings de Nielsen o los grupos focales pudieran cuantificar lo que funcionaba, las cadenas y los anunciantes sabían una cosa: un nombre famoso atraía la atención hacia la pantalla. En la década de 1940, cuando la televisión era sólo el “hermano menor” del cine, la industria tenía un problema. El cine era donde vivían los gigantes.
“Diciendo John Wayne o Katharine Hepburn”, explica Saul Austerlitz, autor de Sitcom: A History in 24 Episodios from I Love Lucy to Community, “la televisión no podía competir completamente en ese frente. Así que había un deseo de animar a los artistas que sí tenían. Enfatizar el cociente de estrellas”.
No se trataba de quién eras, sino de quién pensaba que eras el público.
El lento avance hacia el estrellato
A veces ese reconocimiento no se produjo de la noche a la mañana. Milton Berle consiguió el trabajo para presentar su primer programa de variedades, pero la cadena no confió lo suficiente en su nombre como para ponerlo en el título. Era el “Teatro Texaco Star”, que lleva el nombre del patrocinador principal. Sólo más tarde se convirtió en “The Milton Berle Show” y uno de los programas de mayor éxito en la historia de la televisión.
Ed Sullivan enfrentó el mismo retraso. El periodista pasó a la televisión en 1948. Su programa fue “Brindis por la ciudad”. Le tomó cinco años, hasta 1953, convertirse en una estrella lo suficientemente grande como para cambiar el nombre a “The Ed Sullivan Show”.
El patrón se mantuvo. No recibiste la facturación hasta que demostraste el empate.
Cuando el drama se basaba en los rostros
Si bien las comedias sacaron provecho del nombre de la estrella de manera más agresiva, no fue exclusivo de la comedia. En la década de 1950, las antologías dramáticas prosperaron porque eran conducidas o “presentadas” por actores reconocibles.
Robert Montgomery Presents se desarrolló entre 1950 y 1957.
El Loretta Young Show duró de 1953 a 1961.
Jane Wyman presenta The Fireside Theatre se emitió entre 1955 y 1958.
Estos programas aprovecharon la personalidad de la estrella para vender drama. Usaron a la celebridad como una marca en sí misma.
El fin del drama nombrado
No ves esto hoy. Los nuevos dramas son en su mayoría de procedimiento. En su debut, dependen de elencos corales de actores relativamente desconocidos. La red no arriesga el presupuesto en una sola cara.
“No llamarías a CSI ‘El show de William Petersen'”, señala Brooks.
La industria cambió. El poder de las estrellas se centró en el conjunto, no en el individuo. El título refleja el caso, no el policía.
El bucle de la comedia
A la comedia todavía le encanta el título autorreferencial. Tony Danza lo sabe mejor que la mayoría. Protagonizó cuatro comedias de situación distintas donde su personaje compartía su nombre.
“The Tony Danza Show” se presentó brevemente en 1997. Pero no fue la primera vez. Su personaje en “Taxi” originalmente se llamaba Phil Banta. Los productores lo cambiaron a Tony porque temían que Danza no respondiera a “Phil”.
Querían el nombre. Querían el reconocimiento. Todavía lo hacen.
Basta con mirar la alineación ahora. Los títulos son diferentes. La estrategia no lo es.
