Nacida en Filadelfia el 15 de agosto de 1879 y fallecida en Hollywood el 18 de junio de 1959, Ethel Barrymore no se limitó a actuar. Ella definió un estándar. Su voz distintiva, su agudo ingenio y su imponente presencia en el escenario le valieron el título de “primera dama” del teatro estadounidense. Ella no era sólo una participante en la industria; ella era su ancla.
El nombre Barrymore no es sólo el apellido de una celebridad. Es una dinastía. Ethel estuvo en el centro, cerrando la brecha entre las rígidas convenciones del arte escénico del siglo XIX y el realismo emergente del siglo XX. Mientras que su hermano John y su sobrina Drew captarían más tarde la atención de Hollywood, Ethel fue la corte en el escenario durante décadas. No necesitaba una cámara para llamar la atención. Sólo su voz podría llenar un teatro, llevando el peso de cada sílaba con precisión.
Por qué Ethel Barrymore es importante en la historia de Hollywood
Quizás conozcas el linaje Barrymore, pero ¿cuántos saben qué miembro hizo la transición más fluida del teatro clásico a la pantalla? Ethel hizo el cambio, pero mantuvo intacta su integridad teatral. Ella no redujo su actuación ante la cámara. En cambio, aportó a la película la misma intensidad que exigía en el escenario. Este enfoque influyó en cómo las generaciones futuras de actores abordaron su oficio. No se trataba de encajar. Se trataba de destacar con claridad.
Su carrera abarcó casi cincuenta años. Eso es mucho tiempo en una industria conocida por brillar de manera brillante y rápida. Sin embargo, siguió siendo relevante, no persiguiendo tendencias, sino dominándolas. Entendió que interpretar personajes requería algo más que leer líneas. Requería experiencia vivida. Y Ethel tenía mucho de eso.
El legado de un ícono teatral
Cuando la gente habla de la época dorada del teatro estadounidense, a menudo se olvida de las mujeres que construyeron los cimientos. Ethel Barrymore fue una de esas mujeres. Ella allanó el camino para otros, demostrando que la voz de una mujer podía llevar una producción. No sólo apoyarlo. Llévalo. Su legado no está sólo en los papeles que desempeñó. Está en el estándar que ella estableció. Un estándar de excelencia que todavía resuena hoy.
Así que la próxima vez que veas una película con una actuación que parezca sencilla pero profundamente arraigada, recuérdala. Recuerde a la mujer que se negó a ceder. Que exigía más de sí misma y de quienes la rodeaban. Ethel Barrymore no se limitó a actuar. Ella actuó. Y al hacerlo, cambió el juego. Para siempre.
Ethel Barrymore no esperó a que Hollywood la encontrara. Hija de Maurice y Georgiana Drew Barrymore, saltó a la fama en los escenarios de la ciudad de Nueva York en 1894. Su campo de entrenamiento fue la empresa dirigida por su abuela, la formidable Louisa Lane Drew. Fue una dinastía familiar construida sobre tablas.
Su gran avance no se produjo primero en Estados Unidos. Llegó a Londres durante la temporada 1897-1898. Ethel obtuvo su primer gran éxito en Las campanas y Pedro el Grande. Los críticos se dieron cuenta. El escenario era suyo.
En 1901, volvió a cruzar el charco para protagonizar Broadway. La obra era Capitán Jinks de los Marines a Caballo. Un papel. Una ciudad. Una carrera lanzada.
Conoces el nombre Barrymore. La dinastía está profundamente arraigada en el ADN de Hollywood, pero antes de que la obsesión por la pantalla grande se apoderara de ella, Ethel ya era la reina indiscutible del escenario. Ella no se limitó a actuar; ella fue curadora de una época.
Su currículum parece una clase magistral sobre el drama de principios del siglo XX. En 1905, dio vida a Alice-Sit-by-the-Fire. En 1910, estaba abordando Mid-Channel, y un año después, Trelawny of the “Wells” consolidó su estatus. Las jugadas siguieron llegando. Déclassée en 1919. Una reposición de The Second Mrs. Tanqueray en 1924. The Constant Wife llegó en 1928. Luego Scarlet Sister Mary en 1931. Whiteoaks siguió en 1938. E incluso cuando amanecía la década de 1940, ella todavía estaba al mando de las juntas con The Corn Is Green en 1942.
Pero aquí está el truco. No bastaba con protagonizar los éxitos. Ella quería una base de operaciones. Un lugar con su nombre en la puerta.
Ingrese al Teatro Ethel Barrymore.
Inaugurado en la ciudad de Nueva York en 1928, este lugar no era sólo un teatro; fue una obra heredada. Fue la primera casa de Broadway dedicada a una sola actriz. Para conmemorar la ocasión, protagonizó El Reino de Dios. Fue una entrega simbólica. El escenario era suyo. El nombre era el suyo. El poder era suyo.
Ethel Barrymore no se quedó sólo en el escenario. Persiguió la atención a través de circuitos de vodevil, ondas de radio y las primeras pantallas de televisión, incursionando en películas junto a sus hermanos Lionel y John. Los Barrymore vieron venir el cine y se movieron rápidamente, reconociendo el potencial explosivo del medio mientras el resto de la industria aún estaba descubriendo cómo enfocar una lente. Pero Ethel. Ella no lo estaba permitiendo.
Su debut cinematográfico se produjo en The Nightingale allá por 1914. A partir de ahí, saltó entre decorados en Nueva York y los solares bañados por el sol de Hollywood hasta 1919. Fueron unos años muy ocupados. Pero el glamour de la pantalla grande nunca hizo clic para ella. Encontró el estilo de vida asfixiante y el medio insatisfactorio. Entonces, hizo lo que mejor sabía hacer: empacó y regresó a la ciudad de Nueva York. De vuelta al teatro. De regreso a donde sabía que pertenecía.
De las pantallas mudas a la gloria de los Oscar
Su incursión en el cine fue sorprendentemente escasa durante los locos años veinte y los sombríos años treinta. Sólo hubo un proyecto: Rasputín y la Emperatriz (1933). Sigue siendo una nota a pie de página única en la historia del cine, ya que es la única imagen en la que compartió fotograma con sus famosos hermanos. Durante veinte años, la pantalla estuvo en silencio para ella, o mejor dicho, esperó el papel adecuado que justificara la ruptura.
Esa espera terminó en 1944. Clifford Odets vio algo específico en ella y la convenció de volver a ser el centro de atención. ¿El papel? Una madre cockney empobrecida en None but the Lonely Heart. Cary Grant era su coprotagonista, interpretando al hijo por el que tenía que luchar contra un mundo que parecía decidido a aplastarlos.
“Ella efectivamente bajó el tono de su estilo de actuación”.
No fue su habitual floritura teatral. Fue restringido. Conectado a tierra. La actuación le valió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto, una validación que parecía necesaria desde hacía mucho tiempo. No sólo estaba demostrando que podía actuar; estaba demostrando que podía desaparecer en un personaje.
El impulso no se detuvo ahí. Un año después, dio otro giro compasivo en La escalera de caracol (1946). De repente, parecía cómoda frente al objetivo. La intimidación del médium se había desvanecido, reemplazada por una tranquila confianza.
En los años siguientes, los directores no sabían qué más hacer con ella. Siguieron presentándola como la matriarca imperiosa pero adorable. La verías en la pantalla, dominando la habitación con una mirada, irradiando autoridad envuelta en calidez. Se convirtió en su encasillamiento, pero ella lo poseía.
En 1955, sintió que había llegado el momento de documentar el viaje. Sus memorias, Memories, an Autobiography, llegaron a las estanterías y ofrecen una mirada detrás de la cortina a una vida vivida en gran medida en las sombras de la fama antes de salir, finalmente, a la luz.
