Sembra una regola della natura. Se Drew Carey era in uno spettacolo, doveva chiamarsi The Drew Carey Show. Se Jerry Seinfeld era il protagonista della serie, il titolo seguiva il suo nome. Supponiamo che funzioni così perché è sempre stato così. Ma prova a immaginare un thriller crudo intitolato The Kiefer Sutherland Show. Non puoi. Interpreta Jack Bauer. I nomi non corrispondono.
Questa convenzione di denominazione autoreferenziale è una stranezza specifica della commedia. Risale a decenni fa, a partire da The Mary Tyler Moore Show. La tendenza è continuata per decenni di sitcom, ma è svanita quando il genere si è spostato verso il dramma. Perché le reti hanno scommesso sul nome della star per far ridere ma non per creare suspense?
Tim Brooks sa perché. Non è solo uno storico. Era un ex dirigente di una rete televisiva che gestiva dipartimenti di ricerca presso NBC, USA Networks e Lifetime. Dagli anni ’70 al 2007, il suo compito è stato quello di analizzare i dati sulle valutazioni e condurre test di focus group. Ha capito cosa piaceva effettivamente agli spettatori guardando i numeri. Le sue intuizioni spiegano come siamo arrivati a una struttura di denominazione che sembra inevitabile, anche se logicamente imperfetta.
L’abitudine di intitolare una commedia con il nome del suo attore principale non è nata dal nulla. Le sue origini risalgono agli spettacoli di menestrelli del 1800, ma la vera esplosione avvenne quando la televisione si trasformò in un grande business negli anni ’60. Quella era l’epoca in cui le reti iniziarono a investire denaro nelle ricerche di mercato. Stavano cercando di capire come vendere i loro nuovi spettacoli al pubblico.
Ogni estate, le reti conducevano sondaggi. Hanno misurato la consapevolezza e l’interesse del pubblico per la prossima line-up autunnale. I dati raccontavano una storia chiara.
Gli spettacoli che includevano il nome della star nel titolo si sono subito distinti. Questo era vero anche due o tre mesi prima della prima. Gli spettatori hanno riconosciuto immediatamente il nome. Non avevano bisogno di vedere alcun materiale promozionale. Il marchio delle celebrità ha fatto il lavoro pesante.
La logica di marketing dietro il nome
Il marketing dell’intrattenimento ha un obiettivo primario. Chiedi agli spettatori di “assaggiare” il prodotto. Il mercato dei media è affollato. Gli studi e le società di produzione devono eliminare il rumore. Sfruttare la cache delle celebrità esistente è uno degli strumenti più efficaci disponibili.
Consideriamo Bill Cosby. Negli anni ’60 aveva venduto milioni di album. Un titolo generico come “The Thursday Night Comedy Show” sarebbe stato invisibile. Chiamandolo “The Cosby Show” ha attirato i fan a cui già piaceva. Si sintonizzerebbero per verificarlo.
Questo è il motivo per cui la tendenza di solito si applica al vantaggio. Anche quando attori famosi interpretano ruoli secondari, i loro personaggi non riportano il proprio nome nel titolo. Il piombo è il gancio.
“The Cosby Show” rimane il fulgido esempio di questa strategia. Il titolo è stato scelto esclusivamente per scopi di marketing.
Quando i nomi corrispondono, quando no
In molte sitcom, il personaggio del titolo condivide il nome del comico. Mary Tyler Moore ha interpretato Mary Richards in “The Mary Tyler Moore Show”. Roseanne Barr era Roseanne Conner in “Roseanne”. Jessica Williams è Jessica James in “L’incredibile Jessica James”.
Jerry Seinfeld condivideva entrambi i nomi con il suo personaggio di cabarettista in “Seinfeld”. Stava essenzialmente interpretando se stesso.
Bill Cosby era diverso. Il suo personaggio si chiamava Dr. Heathcliff Huxtable.
“The Cosby Show” avrebbe avuto lo stesso successo se si fosse chiamato “The Huxtables”?
Probabilmente no.
Perché i nomi delle celebrità battono i nomi dei personaggi
La distinzione conta. Il nome di un personaggio come Huxtable non ti dice nulla sul tono o sul fascino. Richiede una spiegazione. Richiede promozione. Il nome di una stella è un segnale. È una promessa di stile. È una scorciatoia per qualità.
Non è solo una questione di ego. Si tratta di economia. Le reti hanno speso milioni in ricerca. Hanno scoperto che i nomi riconoscibili riducevano il rischio. Aumentavano la probabilità che uno spettatore prendesse in mano il telecomando. Negli anni ’60 questo rappresentava un enorme vantaggio.
Oggi la logica persiste. Anche se il panorama è cambiato. I servizi di streaming hanno una programmazione meno rigida. Ma il principio resta. Le stelle vendono. I nomi vendono.
Pensa ai successi recenti. “La teoria del Big Bang”. “Amici”. “Seinfeld”. “L’Ufficio”. (Anche se questo è complicato, si basa comunque sul riconoscimento collettivo dell’ensemble). Lo schema è chiaro.
È possibile che uno spettacolo abbia successo senza il nome di una star? SÌ. Ma è più difficile.
La televisione ha sempre inseguito la fama. Molto prima che le valutazioni Nielsen o i focus group potessero quantificare ciò che funzionava, le reti e gli inserzionisti sapevano una cosa: un nome famoso attirava gli occhi sullo schermo. Negli anni Quaranta, quando la TV era solo la “sorella minore” del cinema, l’industria aveva un problema. Il cinema era il luogo in cui vivevano i giganti.
“Dicendo John Wayne o Katharine Hepburn”, spiega Saul Austerlitz, autore di Sitcom: A History in 24 Episodes from I Love Lucy to Community, “la TV non poteva competere del tutto su quel fronte. Quindi c’era il desiderio di pompare gli artisti che avevano. Enfatizzare il quoziente di stelle.”
Non si trattava di chi eri, ma di chi il pubblico pensava che fossi.
Il lento cammino verso la celebrità
A volte quel riconoscimento non è avvenuto da un giorno all’altro. Milton Berle ottenne l’incarico di condurre il suo primo spettacolo di varietà, ma la rete non si fidava abbastanza del suo nome da inserirlo nel titolo. Era “Texaco Star Theatre”, dal nome dello sponsor principale. Solo più tardi divenne “The Milton Berle Show” e uno dei programmi di maggior successo nella storia della televisione.
Ed Sullivan ha dovuto affrontare lo stesso ritardo. Lo scrittore di giornali passò alla TV nel 1948. Il suo programma era “Toast of the Town”. Ci vollero cinque anni, fino al 1953, perché diventasse una star abbastanza grande da cambiare il nome in “The Ed Sullivan Show”.
Lo schema ha resistito. Non hai ricevuto la fattura finché non hai dimostrato il pareggio.
Quando il dramma si basava sui volti
Sebbene le sitcom abbiano incassato il nome della star in modo più aggressivo, non erano esclusive della commedia. Negli anni Cinquanta le antologie drammatiche prosperarono perché erano ospitate o “presentate” da attori riconoscibili.
Robert Montgomery Presents è stato pubblicato dal 1950 al 1957.
Il Loretta Young Show durò dal 1953 al 1961.
Jane Wyman Presents The Fireside Theatre andò in onda tra il 1955 e il 1958.
Questi spettacoli hanno sfruttato la personalità della star per vendere drammaticità. Hanno usato la celebrità come un marchio in sé.
La fine del dramma nominato
Non lo vedi oggi. I nuovi drammi sono per lo più procedurali. Al debutto si affidano a cast di attori relativamente sconosciuti. La rete non rischia il budget su un fronte.
“Non chiameresti CSI ‘The William Petersen Show'”, nota Brooks.
L’industria è cambiata. Il potere delle star è diventato una questione di insieme, non di individuo. Il titolo riflette il caso, non il poliziotto.
Il ciclo della commedia
La commedia ama ancora il titolo autoreferenziale. Tony Danza lo sa meglio di molti altri. Ha recitato in quattro sitcom separate in cui il suo personaggio condivideva il suo nome.
“The Tony Danza Show” è andato in onda per un breve periodo nel 1997. Ma non era la sua prima volta. Il suo personaggio in “Taxi” si chiamava originariamente Phil Banta. I produttori lo hanno cambiato in Tony perché temevano che Danza non avrebbe risposto a “Phil”.
Volevano il nome. Volevano il riconoscimento. Lo fanno ancora.
Basta guardare la formazione adesso. I titoli sono diversi. La strategia no.
